UNISON SQUARE GAREN – ユニゾンのニュー・アルバム『Catcher In The Spy』。ライブ・バンドである彼らのむき出しのサウンドが詰まった一枚だ。

UNISON SQUARE GAREN

 聴けば、血がたぎる。体の細胞中にスリリングなサウンドが染み込んでくる。UNISON SQUARE GARDENの最新アルバム『Catcher In The Spy』がとんでもないことになっている。彼らのライブで感じることのできる圧倒的な気持ち良さ、爽快感、痛快感、開放感、勢いを鮮度の高いまま、見事に封じ込めた作品なのだ。ポップでカラフルだった前作『CIDER ROAD』とは一転して、3人の奏でる生身の音がむき出しな状態で鳴り響いている。より自由でより大胆でより強靱。あらたな段階に突入した彼らに聞いていく。

INTERVIEW & TEXT BY 長谷川 誠


バンド感が色濃く出たロック・アルバム

──1曲目からのたたみかけていく展開がすさまじいです。

斎藤宏介 バンドとしても、個々のプレイヤーとしても、勢いを持って録れたので、バンド感が色濃く出たロック・アルバムになったんじゃないかと思います。

──バンドがさらにとんでもないところに行っていると感じましたが、どうしてこういう作品が生まれたのでしょうか?

田淵智也 自然に出てきた曲を自然にレコーディングしたら、自然にいいアルバムができました、みたいな(笑)。僕ら的には作りやすかったアルバムだったし、悩むことなくスイスイできたんですよ。大きな山を越えて作った大作ですという感じではない。そこが逆に自分たちらしいなと思うし、作品の出来にも満足しています。

──自然にこういう作品を作れるところが素晴らしいですが、自然に作るって、実は簡単なことではないのでは?

鈴木貴雄 曲を作っているのは田淵なんで、外から見た感じでしかわからないんですが、肩の力が抜けていて、無理にああしなきゃこうしなきゃじゃなくて、やりたいことを自然に出したら、できちゃいました、どうぞ、聴いてくださいっていう感じなんじゃないかと思います。僕らのライブの後半のほうのいちばんどうでもよくなってきている状態、いちばん楽しくなっている状態を“無敵感”って言ってるんですけど、無敵感のあるUNISON SQUARE GARDENが詰まったアルバムになったんじゃないかと思います。

──斎藤さんにとってはポリープの手術を経ての作品ということにもなりますが、どんな意識でのぞんだのですか?

斎藤 ポリープがある状態で半分録って、除去してから半分録って、というアルバムなので、歌に関してはまだ客観的に見れていないところもあるんですが、今までよりも強くなってきているのは“バンドをより良く見せるための歌”みたいなことですね。自分の個性、アイデンティティということよりも、まわりが聴いたときに、“いい!”と言わせるだけのことをやることのほうが意味があるなと思ったんですよ。“歌がかっこいい!”ということよりも、“このバンド、かっこいい!”と思われるものが作りたかった。ボーカリストって、つい自分のかっこいいところ、自分の武器を前面に出したくなりがちなんですが、そうじゃなくて、より聴き手の立場に立って歌うことを意識しました。

──聴き手の立場に立つというのは?

斎藤 例えば、自分としては怒りをテーマとして歌った1小節があったとしても、聴いた人が“まあ、かわいい!”って思ってしまったら、それは怒りではないということになってしまう。わかんない人はわからなくていいやっていうゴールではなくて、ちゃんと怒りとして受けとめてもらえるところまで持っていきたいと強く思いながら歌ったということですね。ちょっと親切になったというか。

──誤解されないように伝えていく努力をしていくということですね。

田淵 バンドとしても誤解を与えないものということは意識していました。1枚目から4枚目までのアルバムのポップな方向という流れを踏まえて、大方の人が次はこういう感じになるだろうと予想するものとは違う方向に行くのがいいなあと。ポップな方向に突き進んでいくのではなくて、揺り戻しをかけたものを作ったほうがいいなと思って作りました。あと、単純に1枚目から5枚目まで通して聴いたときに、楽しいから音楽をやっているんだという大元のテーマが伝わるものだといいなあと。

──ロックの要素がより色濃く出た作品でもありますよね。

田淵 前作『CIDER ROAD』がピアノ、ストリングス、ホーンなどを入れてもUNISON SQUARE GARDENの音楽が成り立つということを証明したアルバムであるとするならば、今回はそのへんを全部排除したアルバムですね。シングルの場合はまたちょっと話が違ってくるんですが、アルバムという単位で考えたときには、なくてもいいものは入れないというのが今回の方針。前作ではホーンやストリングスがあったら楽しそうだから入れてみたというか。J-POPにケンカを売れるモノを作っていこうという気持ちもあった。今後もそういうアプローチをするときもあると思うんですが、今回はなくてもいいものは削っていこうと。そういう基準で曲を作っていったし、収録曲もバンド以外の楽器がなくても成立するものという基準で選んでいきました。

──確かに、むき出しのバンド・サウンドという印象があります。

田淵 そっちのほうがかっこいいということでもなくて、それが今の自分たちにとって自然ってことなんですよ。ギターとベースとドラムがドカンといって、斎藤君が歌えば、UNISON SQUARE GARDENになるじゃんっていう大元の目的から逸れないように心がけながら作っていきました。

──鈴木さんはそのあたりの意識は?

鈴木 僕はどうしたら楽しいかってことしか考えてないですよね。ドラムのフレーズに関しては、基本、田淵が作ったものに沿って叩いていくということなので、田淵が出してきたものに対して、もうちょっといいものを返してあげられたらっていう回路で演奏していくという。なので、僕がより勝負できる場所はCDよりもライブということになりますね。

──今回の新作はいつも以上にライブ感みたいなものが詰まった作品でもありますよね。

鈴木 そういうものになりましたね。意図的にこういう方向を目指したというところもあるかもしれないですが、僕としてはそのままやっていったら、こういう快楽的なアルバムになっちゃったという感覚ですね。

“田淵、全然いいこと言ってないじゃん”っていうのがよく出た12曲

──歌詞に関しては考えていたことはありますか?

田淵 歌詞に関しても、誤解されたくないという気持ちは強かったんですよ。自分の身の丈以上のイメージを持たれると、後々大変ですから(笑)。多くの人が共感する大層なメッセージや人生哲学が詰まったものにはなってない。“田淵、全然いいこと言ってないじゃん”っていうのがよく出た12曲になったかなと(笑)。あまり気負わずに書いた歌詞というか。歌詞の内容よりもこのメロディにこの言葉が乗ったときに、“くそヤバい!”って感じられることがいちばん大事にしているテーマだし、そういう歌詞が好きだし、そういう音楽がいっぱいあってほしいという気持ちに従って書きました。よそからの期待に添うものではなくて、自分が好きなものを好きなように書いたという感じですね。
鈴木 オレは「天国と地獄」の歌詞、好きだな。

──切れ味がいいですよね。

鈴木 なんの意味もないところがいい。普通は“fresh tomato”なんて言葉、歌の中で使わないじゃないですか。僕はフレッシュ・トマト好きだし、なんかいいなと(笑)。

──斎藤さんは新作の歌詞をどう感じながら、歌っていましたか?

斎藤 僕の好きな田淵の歌詞だなと思いました。エッジが効いていて、切れ味があって気持ちいい。ドラクエで言うところの“会心の一撃”みたいな(笑)。あの感じがズシャンガシャンときて、気持ちいいなあと思いつつ、これを自分が歌うならば、こうだろうなっていうところを突き詰めながら歌っていきました。

──「蒙昧 termination」の“田淵に言っておいて”といったフレーズもぶっ飛んでいて、最高だなと思いました。

田淵 そういうのが楽しいんですよ。メッセージ性を込めなくていいと決まったからにはいくらでも愉快に書けるのがいい。それこそが作詞家冥利に尽きる瞬間で。言い回しという意味では自由にできたアルバムだと思います。

──「シューゲイザースピーカー」や「黄昏インザスパイ」のように、深みのあるフレーズ、刺さってくるフレーズが存在する歌もありますが。

田淵 みんなに聴いてほしいメッセージを歌ったということではなくて。去年、マイブラ(マイ・ブラッディ・ヴァレンタイン)が来て、まわりでも“マイブラ、ヤベえ”“20分のノイズギター・ソロがヤバかった”って言う人たちがたくさんいて。それの何が楽しいんだろうって思うんだけど、そういう音楽に命を救われた人間もいて、それってすごくいいことだなあと思っていて。いろんな音楽があるし、音楽の役目って、ひとつじゃないと思うんですよ。ある音楽が好きなヤツもいるし、嫌いなヤツもいる。好きなモノに対しても嫌いなモノに対しても、お互いに干渉しないのがいいと思っているし、いろんな音楽が存在するのがいいと思っているし。「シューゲイザースピーカー」はそんな曲ですね。

──「黄昏インザスパイ」の“聞いて欲しい声がある 届いて欲しい人もいる”という言葉にもグッときました。

田淵 そういう言葉って、たまに出てくるくらいがいいかなと。物好きな人が発見してくれると、そういう人にとっての宝物になるんじゃないかなと。宝の地図を使って探し当てた、みたいな感じ。僕が言ってることなんて、真理でもなんでもないものなんですが、見つけた誰かにとって、宝物になってくれたらうれしいなあとは思ってます。ただし、あくまでもたまにでいいんじゃないかなと(笑)。

──アルバム1枚を通して、ヒューマンな歌声だなあということも感じました。斎藤さんはポリープ手術を経て、ボーカリストとして試行錯誤もたくさんあったのではないですか?

斎藤 制作の途中で喉の状態が変わって、ギターで例えると、ギターそのものが違うという状況だったので、その中でどう歌ったら、どういう声が出るのか、探りつつでした。自分の声帯を画面で見たのは人生で初めての経験だったんですが、声帯がどの形をしているときに、どういう音が出るのかがわかったのは大きかった。あと、覚悟が増したところはありますね。たくさんの人を背負ってもいるわけで、その中でできること、求められていることは、自分がより輝くこと、よりいい歌を歌うことに尽きるのかなと。それが自分のためでもあるし、メンバーのため、バンドのため、スタッフのため、リスナーのためにもなるんじゃないかなって。約10年やってきてますけど、今がいちばん歌に対してガツガツしているというか、いろいろ求めてしまう欲求がものすごく強い気がします。

──歌の表現って、奥が深くてゴールはないものなんでしょうしね。

斎藤 歌声という楽器はほかの楽器と違って、体から発するものだから人間の数だけあるし、体調、食べてるもの、人生経験、その瞬間に考えていること、そういうものがトータルで出てしまうものだし、そういう意味でも終わりはないですよね。人間も変わっていくから、“いい歌”も変わっていくし、ゴールはない。でもその中でも歌っている瞬間のいちばんいいものを追いかけながらやっていくのが正しいやり方なんじゃないかと思っています。

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