米津玄師 – 待望のニュー・アルバム『YANKEE』がリリースされた。今作に込められた言葉の数々には米津玄師の切なる思いが込められている。

米津玄師

とんでもないものを聴いてしまった気がする。大成功を収めたボカロP“ハチ”から、生身の表現者“米津玄師”への転身作『diorama』も十分に衝撃的だったが、2年ぶりのアルバム『YANKEE』ははっきり言って次元が違う。バンド・サウンドで奏でるギター・ロックと緻密なプログラミングを組み合わせ、彼の中に埋蔵される多種多様な音楽性がポップに爆発した、驚異的なサウンドの魅力。そして何よりも、不安や迷いと闘いながら同じ時代を生きる人々に希望の光を捧げる、言霊の力みなぎる歌詞の素晴らしさ。2014年最重要アルバムのひとつだと断言したい。

INTERVIEW & TEXT BY 宮本英夫

 

ひとりで作っていてもしょうがないと思うようになった

──素晴らしかったです。これは本当にすごいアルバムだと思う。

ありがとうございます。

──『diorama』からは2年ぐらいですけど、まったく違いますね。バンド・サウンドということも、心の持ち方も音に臨む姿勢とかも。米津玄師はここから本当に始まるという気がすごくしてます。

やっぱり、ひとりで作っていてもしょうがないと思うようになったのが大きいです。わかりやすく、いろんな人に届くアルバムにしたいと、どんどん思うようになってきたんですね。

──『diorama』のときには、その気持ちはまだ希薄だった?

『diorama』のときにも、あったにはあったんですけど。それを……なんて言ったらいいのかな、あんまり自分自身に相対化してみることをしなかったというか、本当に愚直に作っていたというか。自分の感じる面白さとか美しさとかを、自分だけを信用して作ってたんですけど、そういう意味で言うと、それはどんどん少なくなってきていて。

──アルバムの構想はいつ頃からですか。去年のシングル「サンタマリア」の頃には考えていた?

なんとなく“こういうものにしたい”というのがあったにはあったんですけど、別にそれに縛られることもなく。1曲1曲、順繰りに作っていくうちにこうなった、という感じが強いです。

──ひたすら曲を積み重ねて。

はい。バンドでやるということを「サンタマリア」からやり始めて、だんだん慣れてきたんですけど、ちゃんと把握しきれてない部分もたくさんあって。それを探っていくというか、バンドでやるというのはいったいどういうことなんだろう? ということを、1曲1曲、順繰りに探っていくという意味合いがあって。自分の中でも、結構実験的な部分があったんですけど。

──でも、米津くんはもともとバンドをやってた人だから、ある意味原点に戻ったのかな? とも思ってたんですけどね。やっぱりそれとこれとは違うのかな。

うーん、やってたのはやってたんですけど、別にそんな、こういう言い方をしたらいけないかもしれないけど、本腰を入れてバンドをやっていたわけではないので。ずっとバンドというものに対して、居心地の悪さみたいなものを感じてたんですね。というのもあって、ボカロのほうに移って、それは全部自分で完結できるから、楽しくてずっとやってたところもあるんですけど。で、ずっと自分ひとりでやってることに、ある種嫌気がさして、確かにバンドに戻ったんですけど。

──形としては。

そうですね。でも、やってることは全然違うことなので。

──音の作り方がバンド・スタイルになっていくと、歌い方とか、ミックスとかも、全部変わってくるだろうし。

本当に、全然違う方法で作ってますね、『diorama』のときとは。それは、なんて言うのかな、修行みたいな感じではありましたね。

──修行ですか。

もちろん楽しんでやってたんですけど。それ以上に知らなきゃいけないこととか、学ぶべきことが多くて、結構大変でしたね。

──例えば?

単純に、コミュニケーションの取り方とか。自分が思っている音の感じや、自分の中にある感覚を言葉にして相手に伝えるということを、まったくやってこなかったので。それがめんどくさいからひとりでやってきたわけで、そういうスキルが自分の中にまったくない。小学生レベルだと思うんですよ(笑)。そこから一個も進歩してない。これは根が深いぞと自分でも思うので。

──それをどうやって乗り越えたんですか。気合とか?

気合ですね。気合でしかない(笑)。

──最初にプレイヤーに来てもらって、「こういう音がほしい」と伝えて。

いえ、僕が最初にデモで音色やアレンジを作り込んで、送って、やってもらうという感じなんですけど。でも今やってるドラムとベースの方は、デモを受け取った段階でだいたい理解してくれるんですよ。やりたいことを理解してくれるし、そこにある僕の気持ちを汲もうとしてくれるし。すごくいい人にめぐり会えたなと思いますね。

──基本、あんまり音を重ねないでしょう。プログラミングは別として、ドラム、ベース、あとギターが2、3本ぐらい? それは自分の好みで?

そうですね。『diorama』に比べると、重ねないようにしたというのはあります。やっぱり頭のどこかに、これからライブをやっていかなきゃいけないという気持ちがあって。

──ああ、やっぱり。

そんなに明確には思ってなかったですけど。やっぱりやるものなんだろうなって、自分の中で思っていたので。そのときに明らかに再現不可能なことをやってしまうのも良くないなって、心のどこかで思っていたのはありますね。それと、精神性と肉体性が、あまりにも乖離しないように、ということもありました。

マスタリングが終わった直後は、すごい自己嫌悪

──出来上がって、どうですか。満足度は?

今はすごい達成感というか、やりきった感があるんですけど。マスタリングが終わった直後は、すごい自己嫌悪というか。

──そうなんですか。なぜ?

同じかどうかわかんないですけど、山下達郎さんがインタビューで、アルバムを作り終わったあとはすごい自己嫌悪で聴けない、みたいなことを言っていて。それを読んだときは全然わかんなくて、自分ではそういうことはなかったので、何を言ってるんだろうな? と思ってたんですけど。今回、それがすごく身に染みたというか。

──へえええ。面白いです。

たぶん『diorama』の頃は、自分ひとりで作っていたので、何をするにしても全部自分の責任というか、自分ひとりでやるもんだから、ちゃんと自分が納得してやることができてたんですよ。人の感性を取り入れることが一個もなかったから、良かったんですけど、今回はそういうこともなくて、少なからずほかの人の感性が入ってきていて。それはいいんですよ、僕が望んで入れたことだし、それで作品が良くなったと思うんですけど、それがあるときふっと……なんて言うんだろうな、憎らしくなるというか、そういう瞬間がどうしてもあって。

──うーん。なるほど。

悔しくなったり、後悔したり。作品が悪かったわけじゃないんですよ。それは本当にわけのわからない、自分のエゴなんですけど。人の感性が入ってきているという、ただその一点が許せないと思う瞬間はありましたね。今となってはもう、吹っ切れたんですけど。

──それ、何かを乗り越えて次の段階へ進むときの葛藤じゃないですか。

あのときこうしていれば……という思いが、いっぺんに襲ってくる感じ。レコーディングしながらいろんな選択肢が、多岐にわたってあるわけで、それをひとつずつ剪定しながら進んでいくわけですけど。そこで選ばなかった可能性が、いっぺんにガーッと来る瞬間がありましたね。

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──それはたぶん、これから長く付き合わざるをえない、ミュージシャンの業の目覚めですよ。

そっか……(笑)。生みの苦しみってやつですかね。

──ずっと続きますよ。達郎さんぐらいのキャリアになっても(笑)。でもそれは、素晴らしいことだと思いますよ。

やっぱりどうしても、やるからには手を抜けないんですよね。適当に、スチャラカでやれば、楽なんでしょうけど。そんなふうにやっていられるほど、甘いもんじゃないだろうなと思うし。自分としても、ちゃんと納得したものを作りたいですから。それはしょうがないですね。

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